Lesezeit – 5 Bücher für freie Tage

Der Frühling hat sich noch einmal zurückgezogen und lässt uns mit einem Stapel Bücher und einer Wolldecke auf dem Sofa zurück. Für alle, die zusammen mit uns schmökern wollen, haben wir 5 Bücher rausgesucht, die sich mit Kunst, Künstlern und Künstlerinnen beschäftigen.  Continue reading


About artistic careers on the Internet

We live in a time of limitless possibilities. Online platforms are spreading like wildfire. Most users search for quick and easy answers. But the possibilities become increasingly unclear. ARTWARD has looked around for you and presents 6 online platforms that can be useful to you.


500px – an online photo community with success

500px is an online photo community that invites you to discover, share, buy and sell high quality photographs. Professional and amateur photographers find their place here and are invited to upload their best works. The name of the platform, founded in Toronto, refers to the image width 500 pixels, which has long been accepted as a suitable size for online presentations. Since 2014, 500px also offers graduated licensing for photographs as well as the opportunity to sell. The membership and the uploading of photographs is free of charge. The photographer is guaranteed a fee of 70% of the selling price.

In addition to its commitment to helping photographers and increasing their visibility, the company recently developed an easy-to-use global directory of photographers that can be searched for by topic as well as by location. The industry-leading global photo service serves customers such as Airbnb, Travel Corporation, Google and Lonely Planet. 500px also announced that it will work with Adobe Stock to offer Adobe users a choice of 500px impressions in the Adobe Stock Premium collection.

Our judgment: A simple page that is fun and convincing +++

ARTFINDER – a marketplace for originals

The platform, founded in 2011, aims to connect people with art and artists. It acts as an online gallery for artists who want to sell their works on the Internet. The London and Miami-based company has registered 8,000 artists from 108 countries on their site. Only originals and limited editions of independent artists or galleries are accepted. The site advertises with 500,000 art lovers who visit them regularly and records a strong growth. The use of the site is free for artists. For a sale, Artfinder receives 30% commission. An algorithm provides the users with daily advice.
The value of available art works at Artfinder amounted to £ 200 million in the fourth quarter of 2015. Membership certificates were accelerated to 1,500 per day in the fourth quarter of 2015. Sales in the fourth quarter of 2015 were 20% higher than the previous month.

Our judgment: An appealing, user-friendly site. Only criticism: we miss an expert selection ++

ArtStack – strong cooperations

ArtStack makes it possible to find art, share and learn about art. The site uses social media and the number of respective follower as a key element for the discovery of art and as a sign for the individual taste of the art lover. Large brands and names always promote a company’s reputation. Its collaboration with Christie’s delivered the first Crowd Sourcing auction in 2015, followed by a cooperation with the fashion designer Mary Katrantzou. The new iPhone app brought a redesign including geolocalized exhibition information. In 2015, more than 150,000 artists were uploaded to over one million works of art. The municipality grew by more than 200% in 2015.

Our judgment: Strong partners complement the success. A popular and familiar side at the same time. ++

ArtWeb – affordable art

ArtWeb is a site for independent artists. It also aims to bring artists and buyers together. The menu is short and simple. It advertises with affordable art for small budgets. Every artist can build their own “website” on the site and upload pictures for free. A search function makes it possible to adjust taste and price class. The annual membership fee is € 0.00 – € 117.50 depending on the service.
It is attractive that the site does not require a commission and the sales take place directly through the artist. Our experience, however, says that an intermediary organ can avert many questions and problems with regard to art purchases and guarantees.

Our judgment: an active side, on which each artist can design his own page. +

DegreeART – Investment in the future

DegreeART stands for an investment in artists of the future. The user can search by price, by topic, by media and by artists and can also be consulted online if necessary. The strikingly active side is aimed at young students or graduates of art. DegreeART has been active for 12 years and has established itself as the leading British online art gallery. Experience in dealing with art is also reflected in exhibitions in the real space, trade fair participations and an artists’ residency program. A one-time fee of £ 75 is charged. The selection of the artists goes through a jury.

Our judgment: the desire to promote the career of artists is believable +++

Saatchi Art – the market leader

Saatchi Art is the world’s largest online art gallery. The site offers over 500,000 original paintings, drawings, sculptures and photographs from more than 60,000 emerging artists from more than 100 countries. Saatchi Art actively promotes his artists, offers free art advice and lets experts speak.
The site is free for artists. The sale via the platform appears uncomplicated. Artists receive 70% of the selling price. The marketing apparatus behind it is enormous. Artists are thus seen by artists and experts. Saatchi Art also takes care of the transport and of a smooth payment.

Curated exhibitions highlight artists. In May 2015, Saatchi Art won the Webby Award for his iOS mobile app. In addition, Saatchi presents art by emerging artists at trade fairs such as the “The Other Art Fair” in London, Sydney and Bristol. The number of transactions increases every month and the gross transaction value for 2015 was 12 million US dollars.

Our judgment: “We love artists”, so it is written on the page – the implementation is credible++++

“Never change a running system!” Almost all the websites follow the same scheme: a selection of a wide variety of artists, media and motifs, detailed information, order opportunities and social media. We recommend sites that are constantly visually strong, convincing through outstanding art, selecting experts, curated exhibitions and illuminating the background of the artist. All the above pages have been active for several years and a corresponding network has been established. They represent a great opportunity for artists who want to be active without gallery affiliation. Because: without interaction, no art! Art needs an audience that appreciates it.

Call for artists – Die Bewerbung

Wie bewerbe ich mich erfolgreich?


Selbstvermarktung, das ist nicht unbedingt ein Lieblingswort vieler Künstler. Zu weit weg von der künstlerischen Arbeiten beschwört es ein Unbehagen herauf und das Bild vom Marktschreier, dessen Rufe das Werk zukleistern. Ein romantisiertes Künstlerbild erzählt immer noch die Geschichte vom brotlosen Artisten, der zwar verarmt, aber ehrenvoll, seine ganze Energie in die Kunst steckt bis er irgendwann entdeckt wird. Hier liegt die Krux, denn die Passivität des Wartens auf die Entdeckung kann lang und unbefriedigend werden. Kunst will wahrgenommen werden. Was also tun, um Sichtbarkeit zu erlangen? Denn die wichtigsten Aspekte von Selbstmarketing sind: Aktiv sein, Sichtbarkeit erzeugen und Spuren hinterlassen.

Dies kann auf vielen Wegen gelingen und sich aus den unterschiedlichsten Bausteinen zusammensetzen. Einer dieser Bausteine können Ausschreibungen sein. Die Teilnahme an Kunstwettbewerben führt gegebenenfalls zur Produktion neuer Arbeiten oder zu einer neuen Zusammenstellung unter den thematischen Bedingungen des Wettbewerbs. Die Anforderungen, die ein Wettbewerb stellt, können die Perspektive auf die eigenen Arbeiten  strukturieren. Insofern kann es ein produktiver Input sein, den die Teilnahme an einer Ausschreibung geben kann. Die Werke werden, je nach Preis, von einem Auswahlkomitee oder der Öffentlichkeit begutachtet und rezipiert. Und schließlich kann eine erfolgreiche Teilnahme das Profil des Künstlers schärfen. Denn im Künstlerlebenslauf sind es neben den Arbeiten und der Ausbildung, Ausstellungen und Preise, die ein künstlerisches Profil bilden.

Zudem sind Wettbewerbe ein guter Weg, auch international Fuß zu fassen, denn inzwischen wenden sich viele Preise an Bewerber aus der ganzen Welt. Die Möglichkeit Bewerbungen digital zu versenden und auf Internetplattformen zu sammeln, haben ein großes Potpourri an Ausschreibungen hervorgebracht. Da den Überblick zu bewahren ist nicht leicht, denn die Zahl der Wettbewerbe ist groß und die Kriterien sind oft sehr unterschiedlich. Es werden Preise von öffentlichen oder privaten Stellen, wie dem Bund, Ländern, Gemeinden, Hochschulen, Museen, Galerien und Unternehmen ausgeschrieben, sowie von Stiftungen, Verbänden oder Vereinen. Manche Wettbewerbe sind offen und Künstler können ihre Bewerbung selbst einreichen; zum Beispiel der ARTWARD oder die Förderung der Karin Abt Straubinger Stiftung. Andere wiederum nehmen nur Vorschläge und Empfehlungen von eigens ernannten Kuratoren entgegen. Zum Beispiel das Stipendium der Villa Aurora oder der ars viva. Ausschreibungen wie Kunst am Bau oder auch Kunst im öffentlichen Raum erhöhen das Maß der Sichtbarkeit natürlich besonders und unterstützen auch die Kommunikation zwischen der Allgemeinheit und der Kunst.

Förderungen können als Stipendien, als Ausstellungsförderung, Katalogförderung oder als Artist-in Residence Programm vergeben werden. Meist sind die Preis unterschiedlich hoch dotiert. Der teuerste Kunstpreis „Arkadij Plastow“ wird in Russland vergeben. Die meisten Kunstpreise bewegen sich jedoch im ausgeglichenen mittleren Bereich und haben ein Budget um die € 10.000. Ein Ehrenpreis, wie der Goslaer Kaiserring kann auch undotiert sein, wertet aber die Vita eines Künstlers ungemein auf, weil er Renommée und Sichtbarkeit verschafft. Einer der bekanntesten Preise ist der britische Turner Prize, der sich an in Großbritannien geborene oder dort lebende Künstler richtet. Nicht nur die Verleihung, sondern auch die Ausstellung der Künstler, die auf die Shortlist gewählt werden, wird von der Kunstwelt jährlich mit Spannung erwartet.

Die Filter, die das Profil eines Preises ergeben, können obendrein sehr unterschiedlich sein. Einige beschränken sich auf bestimmte Techniken; so wendet sich der International Light Award an Lichtkünstler, der Szpiman Award wird für flüchtige Werke, die nur einen kurzen Moment existieren vergeben und der Medienkunstpreis der Stadt Marl richtet sich vor allem an Video- und Medienkünstler. Der Kunstverein Kehdingen hat in diesem Jahr einen Wettbewerb zum Thema Botanische Kunst ausgerufen – gar nicht so einfach eine passende Ausschreibung zu finden. Hinzu kommt, dass sich viele Preise an Nachwuchskünstler richten, um den Einstieg in den Kunstmarkt nach der Zeit an der Akademie zu erleichtern. Diese Preise haben oft eine Altersbeschränkung oder geben vor, wie lange der Abschluss zurückliegen darf. Da kann es schnell passieren, dass die eigenen Arbeiten thematisch passen, man aber aus anderen Gründen von der Teilnahme ausgeschlossen ist. Trotzdem sollte man nicht aufgeben. In der Fülle des Angebots findet sich auch die passende Ausschreibung für die eigenen Projekte. Wichtig ist, sich die Kriterien für die Teilnahme genau anzuschauen, damit man sich die Arbeit einer Bewerbung nicht umsonst macht.

Wo bewerbe ich mich? 5 Dinge, an die ihr bei Ausschreibungen denken müsst!

1. Verschafft Euch einen Überblick
Einen Überblick verschaffen kann man sich zunächst auf den Seiten des Bundesverbandes Bildender Künstlerinnen und Künstler, hier werden regelmäßig neue Ausschreibungen veröffentlicht. Auch die Seite Call for Kunst listet aktuelle Wettbewerbe, ebenso wie die Seite der internationalen gesellschaft der bildenden künste. Die niederländische Seite transartists sammelt internationale Artist-in-Residence Programme und wer sich gerne weiter international informieren möchte ist sowohl bei der Seite touringartists, als auch beim Twitter Account @callforentries gut aufgehoben. Wie immer gilt: wer den Preisen auf den Social Media Kanälen folgt, genießt den Vorteil, das die Informationen direkt zu ihm kommen. Seit kurzem posten wir vom ARTWARD außerdem in unserer Kategorie EVENTS nicht nur Ausstellungen und Messen, sondern auch Wettbewerbe und Ausschreibungen.

2. Trefft eine Auswahl, die in euerem Arbeiten entspricht
Bei der Auswahl der Wettbewerbe sollte man auf mehrere Dinge achten. Lieber an weniger, gut ausgewählten Ausschreibungen teilnehmen und diese sorgfältig vorbereiten, als an viele Wettbewerbe das immer gleiche Portfolio zu schicken.
Für manche Preise darf man sich nur ein einziges Mal bewerben, hier gilt es mit überzeugenden Unterlagen anzutreten, die sorgfältig auf den Preis abgestimmt sind. Da manche Wettbewerbe – vor allem solche, die nicht von öffentlichen Institutionen ausgeschrieben werden – eine Teilnahmegebühr verlangen, ist es auch eine finanzielle Frage, welche und wieviele Ausschreibungen man wahrnimmt. Die Teilnahmegebühr sollte keinesfalls nicht zu hoch liegen – Kosten von mehreren hundert Euro deuten eher auf einen unseriösen Hintergrund, als auf einen ratsamen Contest. Um die Seriosität eines Wettbewerbs zu prüfen, gilt es vorab einige Dinge zu recherchieren. Die Frage, wer den Contest ausrichtet, sagt bereits viel über Zuverlässigkeit und Reichweite aus. Ist der Preis an eine Institution gebunden? Wird er von einem Unternehmen ausgerichtet? Sind die Macher aktive Akteure in der Kunstwelt und damit Multiplikatoren? Wer ist Teil der auswählenden Jury? Und wer hat diesen Wettbewerb bereits gewonnen? Sollte der Preis von einer wechselnden Jury vergeben werden, so wird eine erneute Bewerbung mit ganz neuen Augen gesehen werden. Andererseits kann ein festes Auswahlkomitee vielleicht eine Entwicklung erkennen und freut sich über ein Wiedererkennen. Es gilt, abzuwägen. Versucht im Vorfeld abzuschätzen, wieviel Zeit ihr in eine Bewerbung investieren müsst. Könnt ihr die Bewerbung online einreichen? Oder müsst ihr eine Mappe mit Originalen zusammenstellen und einschicken? Der Unterschied zeigt sich nicht nur bezüglich des Arbeitsaufwandes, sondern auch hier als ein finanzieller. Ein digitales Portfolio ist flexibel. Wenn es regelmäßig aktualisiert wird, ist es auch kurzfristig möglich eine Bewerbung einzureichen. Hinzu kommt, dass hier Bilder und Daten meist schnell ausgetauscht und angepasst werden können.

3. Wie bewerbe ich mich? Das Portfolio, um aufzufallen
Sobald man festgestellt hat, dass man die Teilnahmebedingungen erfüllt, gilt es ein angemessenes Portfolio zu erstellen. Hier stellen sich die Fragen: hat die Ausschreibung einen thematischen Schwerpunkt? Welche meiner Arbeiten repräsentieren diesen am stärksten? Möchte ich mich bei einer offenen Ausschreibung mit einer Übersicht über meine künstlerische Entwicklung bewerben? Oder nur mit ganz neuen Arbeiten? Wie stelle ich meine Arbeiten zusammen? Welche nehme ich in die Mappe hinein, welche lasse ich weg? Muss ich mich vielleicht auch für eine einzige Arbeit entscheiden?
Ein durchdachtes und rundes Konzept ist immens viel wert und überzeugend. Packt die Bewerbung nicht voller Arbeiten, die am Thema vorbeigehen, nur um Masse zu erzeugen. Im Zweifel ist weniger oft mehr; Struktur und Ordnung im Portfolio werden gerne gesehen. Wenn ihr einen Katalog mitschickt, freut sich der Ausschreiber über ein frankierten Rückumschlag. Denkt an aussagekräftige Abbildungen, die in einer guten Auflösung beim Empfänger ankommen. Zu kleine oder unscharfe Abbildungen werden in der Regel sofort zur Seite gelegt. Beschriftet die Abbildungen. Titel und Technik geben oft interessante Hinweise für die Jury. Last but noch least: verweist auf eure Website, auf der das Auswahlkomitee gegebenenfalls weitere Arbeiten von euch anschauen kann.

4. Die Vita: A und O für den künstlerischen Erfolg
Auch die ergänzenden Daten sollten mit Fokus auf die Ausschreibung und mit Perspektive auf den künstlerischen Werdegang gesetzt sein. Eine komplette Auflistung sämtlicher Nebenjobs ist nicht nötig. Auch hier gilt: weniger ist mehr und eine Ausstellungsliste ist interessanter, als eine Liste sämtlicher bisheriger Arbeitgeber. Auch bereits gewonnene Ausschreibungen, Stipendien und Künstleraufenthalte sind an dieser Stelle wichtig. Im Portfolio wird das Profil eines Künstlers/einer Künstlerin herausgearbeitet – von ihm oder ihr selbst. Diese Gelegenheit sollte man aktiv und reflektiert nutzen. Wie man selbst und die eigenen Werke wahrgenommen werden, kann man an dieser Stelle ganz gut steuern und hier beginnt bereits das Selbstmarketing.

5. Nutzt die Folgewirkungen einer Bewerbung
Denn in den Auswahlkomitees versammeln sich Kuratoren, Galeristen, Sammler, Museumsleiter oder auch andere Künstler; und so groß wie man manchmal denkt, ist die Kunstwelt oft doch nicht. Auch wenn man nicht zu den Preisträgern gehört, so ist eine Bewerbung doch durch einige Hände gegangen, vielleicht war das Projekt in der engeren Auswahl. Juroren sind Multiplikatoren, sie können deine Arbeiten wiederkennen, sich in anderem Zusammenhang erinnern und darauf zurückkommen. Auch das sind Spuren, die eine Bewerbung hinterlassen kann. Manchmal werden die Künstler in der engeren Auswahl gesondert veröffentlicht. Wenn es mehrere Runden einer Ausschreibung gibt, kann so bereits das Erreichen der Vorrunden die Sichtbarkeit erhöhen, auch wenn man leider nicht zu den Preisträgern gehört.

Die Frage, ob ein Wettbewerb die eigene Sichtbarkeit erhöhen kann, ist zentral für die Frage, ob man sich bewirbt. Kann die Ausschreibungen neben dem Preisgeld einen Mehrwert in Form von Präsenz erzeugen, macht es sie attraktiver für die teilnehmenden Künstler. Trotzdem bleibt die Konkurrenz natürlich groß und Durchhaltevermögen eine der wichtigsten Eigenschaften für Künstler.

Text: Annalena Roters

I create, therefore I am!

The marketing of artistic content in the 21st Century


seen at MANIFESTA 2016 cartoon by Pablo Helguera

Thanks to van Gogh or at least the interpretation of his life and work, the myth lives on of the artist as a romantic loner. Yet in truth, artists work hard to make this idea a reality. The fact is that artists need to be able to live from their art. And although artists produce a lot of good art, they play a much smaller role within the complex system that surrounds the marketing of their work. Whether artist, curator, gallerist, art advisor, auctioneer or collector – each attempts in their own way to confer value and meaning to an artwork, and to profit from art itself. Yet what is it that makes an artist well known, and what opportunities are out there for artists to market themselves?

Many artists experience difficulty in immersing themselves in the art market. Often it begins with an application to a gallery that sometimes doesn’t respond at all, or if it does respond, does so in the form of a rejection. Artists, particularly those fresh out of art school, initially appear on the art scene with a degree of fascination. Their appearances then become less and less frequent, until eventually you no longer see them at all. This is a shame, and here we could learn something from American companies that develop their ideas with great self-confidence and thereby reap successes.

I’m of the opinion that art does not exist without the viewer: it is the interaction that makes something art. This view presupposes that there are opportunities to discover an artwork and, this being the case, it is advisable to make use of the many existing platforms that exist throughout the world. Naturally, self-marketing is not for everyone, yet it is very rare that a collector will simply knock at the door to inquire whether he or she might be able to buy something. The work of the art mediators, whether gallerist, curator or art advisor, is significant. It is they that have the contacts and understand how to sell artwork. And I know, after 20 years in the art world, that without the contacts to the art market no one stands a chance. You need to get the art out there so we can see it!
Here are a few tips on how you might take things further:

What makes an artist famous?
Many collectors get inspired by good art. They live with it, rotate the art in their collections, and invite guests over to debate passionately with them about the work. Yet how does a collector go about acquiring art? What are the criteria that they use in their buying decisions? First of all the work needs to be discovered, both in a formal sense, but also in terms of its content. After much looking the eye moves to the CV and then the question of additional works. Was the work that triggered their attention just a successful one off piece or does the artist have more works like that one? Within which environment does the artist move? Where did they study, or are they self-taught? What galleries represent them? Have they won awards? Has someone written about them, and if so -who? Are other collectors already aware of them? Am I looking at a new discovery? The skilled collector makes their decision based on gut instinct, based on their knowledge and experience, and on the basis of a belief that the artist has a future. Some collectors make their decisions immediately; others have a watch-list and take their time. Wrong decisions are calculated into the equation. And some work that wasn’t purchased can lead to years of sleepless nights, as it is no longer available. Other works will, at some time, leave the collection which may have changed its focus or developed further. The good thing is that artworks come and go – they are in flow!
But how does the art arrive at the market?

The Path is the Goal
Consider first, what is special about your art? If you yourself don’t know the answer to this, why should others be interested in it? So think about who it is that you want to reach. What is your target group? Do you want to be talked about? Do you want to be famous, just to survive, or perhaps both? Is making art your calling? Do you want your work to be seen by others or would you rather that it never left the studio? My recommendation: learn to live apart from your works, even if they are good!
Think about who in your circle might have good contacts and which gallery might have a program that would suit your practice. How often have I experienced that artists walk into a gallery to present themselves, without having a clue as to whether their art reflects the taste of the gallerist? Become informed about the program and activities of the gallery and take an interest in their current exhibitions. This has a plus side. If the gallerist isn’t available (and 90% of the time this is the case as the reality is that they have to work hard to make their sales!) then try to get to know the gallery staff, to give an overview of what you do, and have good material that you can leave with them – in the form of flyers, exhibition catalogues or a well edited portfolio. Go to the openings and try to talk with people without being pushy: There are a lot of people wandering around at private views who are very interested in art! Show a presence, but be decent! And ask a couple of weeks later if an opportunity has arisen when you might be able to show them your art. If yes, then go a step further and arrange a studio visit. If not, then remain polite and ask whether they might have any recommendations for you. If it all leads to an exhibition, then a door to the art world has opened. Generally the gallerist will take on the marketing of the work (transport, press-release, invites, labeling, private-views, art fair participation, etc.). Whether this all leads to sales remains to be seen, but please don’t be too impatient. It doesn’t happen overnight. And it’s the gallerist who carries the most risk, investing both money and trust in you. If you are still an emerging artist then the gallerist won’t be able to live from your sales, even if the usual 50% commission might seem very high at the outset. The gallery will only be able to finance your exhibition by way of career artists who already achieve higher prices. So don’t go behind the gallery’s back when selling out of the studio – always make them a part of your success. The gallerist is ready to grow with you and that, today, is to be valued.
A small tip: do not confront a gallerist at an art fair with your work. They need to concentrate on potential buyers and without doubt will not have time for you.

Alternatives to Galleries
If no one wants you then do it yourself. Get together with others. Artists can achieve a lot together. Put on exhibitions. You can always find a space of some sort. Even using private spaces – like the so-called home-gallery – always comes across well. Invite a couple of selected individuals: a drink, a beer, dinner, or just to come over. It’s not unusual to have to pay for a beer at an opening. Maybe you can find someone to curate the show, thereby extending your network. Perhaps someone can give an opening talk. Write a press release – it’s worth a try. If the show is critically written up in a professional, well-written piece then it definitely brings added value and gets people talking about you. Invites or a flyer can now be produced cheaply, online. Collect business cards, create a distribution list and leave information on the show in the local area. Perhaps you could open an artists’ gallery together with others and grow together into the market. Many artists have successfully shared space, time and costs.

In addition there are also now many art fairs that independent artists can apply for. Of course, unlike gallery platforms you have to pay for the stand and costs yourself. But if the price isn’t too high and the organization behind the event is well networked and the location good, then it is worth doing! Maybe you can find a patron who is willing to take on the costs, perhaps in exchange for a work. Asking costs nothing and the worst you’ll get is a no.

Showing Online
The commercialization of artwork no longer takes place just in physical space. The virtual possibilities for marketing should not be underestimated. In the 21st Century, an artist without a website is throwing away a lot of potential! It offers the best opportunity to have your work visible 24 hours a day, everyday. There are pre-defined templates that allow anyone to create a website at little cost, generally without the need of an expert. What’s important is the content. And here, as in many other situations, less is more. Concentrate on a simple structure with good images. For the menu-points, it’s sufficient to have an image gallery, the CV and – importantly – contact details! Here you can either link to your gallery or to your own email address. It is worth offering the visitor the opportunity to sign-up to a newsletter. What is important is that the website content be kept up to date and that the site is linked to the right key words so that it can be found quickly. The pictures should be of a good resolution or give the possibility of zooming in. So-called social media buttons are very popular. These offer the chance to distribute your images or content to the wider world. Don’t use too many images, unless you use your website as a form of catalog, like Gerhard Richter does. But do be rigorous with editing! It might be good to also write a small text about yourself and your work. People like reading the ‘about me’ in the menu and it gives them the opportunity to learn something about you. But here too, be brief and take time to consider what is essential. Do make an effort with your online presence. It is the tool for making that first impression and should serve to provide enduring curiosity. The CV or biography should not be unnecessarily fudged. Those who know about art can read between the lines. Even a short CV can give a great impression if the quality of the exhibitions and awards is high. Nothing against having exhibitions at a law firm, or the birth of a new family member – we can all be proud of that – just leave it off the CV as it will come across as unprofessional.
Besides having your own website, there are today numerous platforms on which you can advertise your art. On Facebook there exist communities for any subject and they are happy to receive external content. You can post your images, information on exhibitions or just your feelings. You can also find out about what others are doing and learn from them. Saatchi and other online platforms offer the service of selling your artwork globally for a low fee. Active users are invited to participate in curated online exhibitions, meaning generally that experts both examine and publish your work.

Art Prizes – a guarantee of good art?
Art prizes are usually awarded via the form of an open submission competition hosted by private or public institutions. Artists are rewarded for particular artistic achievement. They are more or less well remunerated or provide other forms of support, but what they do achieve is an increase in the value of your work. The added value and the awarding of the prize are heavily dependent on the organizer, the strength of the jury and its members’ ties to the art world. Art prizes and funding create today a significant potential livelihood for emerging artists. More established artists are honored for their achievements over many years. There are many opportunities and at the other end sit people who will see and engage with your work. What’s being offered should be attractive, the effort required to apply should be in line with the prize on offer, and the application fee modest. Artist-in-residency programs offer the opportunity to take a few weeks out of your normal surroundings and to make contacts with those with similar interests. They promote an international exchange and often offer an atmospheric place for artistic development.

Last but not least: Hang in there! Believe in yourself! Persistence, patience and continuity in the process of making work are what ultimately guarantee your success. Exchange is important, especially in terms of criticism. Not everyone will like what you’re doing but there are people out there that will love your work. Don’t take criticism personally, but think about it – it will certainly bring you further, and in the end your art will outlive us all!

As Johann Wolfgang von Goethe once said: “Art is long, life short.” (Johann Wolfgang von Goethe)

Autor: Annette Doms


Heiko Wommelsdorf im Interview

Sound as material – Ein Interview mit Heiko Wommelsdorf

„Background noise may well be the ground of our being. It may be that our being is not at rest, it may be that it is not in motion, it may be that our being is disturbed. The background noise never ceases; it is limitless, continuous, unending, unchanging. It has itself no background, no contradictory. How much noise must be made to silence noise? […] noise is not a matter of phenomenology, it is a matter of being itself. It settles in subjects as well as in objects, in hearing as well as in space, in the observers as well as in the observed, it moves through the means and the tools of observation, whether material or logical, hardware or software, constructed channels or languages; it is part of the in-itself, part of the for-itself; it cuts across the oldest and surest philosophical divisions, yes, noise is metaphysical. It is the complement to physics, in the broadest sense.“
[Michel Serres, extract from Genèse (Paris: Grasset, 1982); trans. Geneviève James and James Nielson, Genesis, Michigan: University of Michigan Press, 1995]

In den Arbeiten von Heiko Wommelsdorf sind Geräusche, die ein Ausstellungsraum mit sich bringt zentral. Alltags- und Umgebungsgeräusche – gewöhnlich zum Hintergrundrauschen reduziert – werden hier hervorgehoben und zum Material, mit dem der Künstler arbeitet. Insbesondere Sounds, die der Ausstellungsraum und seine Ausstattung selbst produziert, werden reflektiert, bearbeitet und schließlich zum Teil der Installation. Anlässlich seiner aktuellen Ausstellungen haben wir uns mit Heiko Wommelsdorf unterhalten. Er ist Mitglied bei ARTWARD und hier mit einer eigenen Profilseite vertreten http://www.artward.de/project/heiko-wommelsdorf. Im Oktober 2015 haben wir seine Arbeit »6 Thermohygrographen« als Kunstwerk des Monats gewählt und intensiv betrachtet. Unseren Text dazu findet ihr hier: http://www.artward.de/2015/11/kunst-im-oktober-von-heiko-wommelsdorf. Bei den KunstFestSpielen Herrenhausen konnte man kürzlich im Großen Garten Hannover die Klanginstallation »Resonanzen« erleben, zu der Heiko Wommelsdorf «Spieluhren« beigetragen hat. Bis zum 26. Juni läuft die Ausstellung »Nebengeräusche« im Saarländischen Künstlerhaus Saarbrücken und bis zum 24. Juli stellt er neue Arbeiten in der Städtischen Galerie Reutlingen aus.

Heiko, du bist derzeit Stipendiat der HAP Grieshaber Stiftung, magst du uns kurz etwas zu der Stiftung und den Möglichkeiten, die du mit dem Stipendium hast erzählen?
Die HAP Grieshaber Stiftung fördert seit 1994 alle zwei Jahre eine/-n Künstler/-in mit einer Wohnung und einem Atelier in Reutlingen sowie einem monatlichen Betrag von 1.200 €. Finanziert von der Stadt Reutlingen, der Kreissparkasse Reutlingen und dem Grieshaber-Freundeskreis wohne ich seit Oktober 2015 in Süddeutschland.
Das Stipendium ermöglicht mir, konzentriert an meinen Konzepten und Installationen zu arbeiten, ohne den Blick auf meine Kontoauszüge richten zu müssen. Außerdem kann ich viel Zeit mit meinem 1-jährigen Sohn verbringen, da ich mir meine Arbeitszeit selbst einteilen kann.

Die Stiftung hat auch deine aktuelle Ausstellung in der Städtischen Galerie Reutlingen ermöglicht?
Genau! Die Stiftung stellt ein Budget zur Verfügung, um meine Abschlussausstellung in der Städtischen Galerie in Reutlingen zu realisieren und zusätzlich einen Katalog zu publizieren.

Was zeigst du dort?
Ich thematisiere in meiner Ausstellung die Städtische Galerie als architektonisches Erlebnis sowie als institutionellen Raum.
Zum einen zeige ich eine Installation bestehend aus 18 in Richtung von Akustikdämmplatten gerichtete Lautsprechern, die den Nachhall der Galerie mit Hilfe unterschiedlicher Frequenzen eines Fingerschnippens untersuchen. Die Aufnahmen dringen von den Dämmplatten reflektiert in den Raum, wobei die Akustikdämmplatten ab-absurdum geführt werden und der Installation eine sehr ästhetische visuelle Note geben. In unterschiedlichen Abständen vernimmt man die pointierten Geräusche, die sich zu einem Rhythmus formen und das Architekturerlebnis verändern.
In drei weiteren Arbeiten spiele ich mit den Vorgaben verschiedener Institutionen in denen Kunst stattfindet.
Thermohygrographen, Luftbefeuchter und ein Abluftschacht lösen die Grenzen zwischen dem vom Künstler positionierten und dem vom Handwerker montierten Instrumenten auf.
Im besten Fall findet dort eine Sensibilisierung auf die Alltagsgeräusche, welche sonst ausgeblendet werden statt. Die Motorgeräusche der Luftbefeuchter werden zu Rhythmen, das Rauschen der vor den Fenstern befindlichen Straße sowie dem Fluß Echaz bündeln sich in den Raumecken. Das Ticken der Uhrwerke mehrerer Thermohygrografen wird vernommen, ebenso wie die defekten Leuchtstoffröhren, die brummend den Raum füllen.

Außerdem kann man deine Arbeiten zur Zeit in Saarbrücken und in Hannover sehen, was hast du dort installiert?
Im Künstlerhaus Saarbrücken ist eine ähnliche Situation installiert. Lüftungsgitter auf Fußhöhe, ein Heizkörper mit langen Kupferstäben, die einen Rahmen an der Wand andeuten, ein 5 Meter langes Lüftungsrohr an der Decke und ein Thermohygrograph, der die Ereignisse im Raum festhält.
In Hannover ist eine große Klangkunstausstellung in den Herrenhäuser Gärten zu erleben. In einem Bereich aus mehreren Linden habe ich eine Arbeit mit unterschiedlichen Spieluhren entwickelt. An 36 Bäumen befinden sich umkomponierte Spieluhren, die der Besucher aufziehen kann. Zusammenspielend ergeben die Spieluhren ein Ereignis bestehend aus dem Rauschen des Windes in den Bäumen, Stimmen, Motorgeräusche verschiedener Gartenarbeiten, Rasensprenger und immer mal wieder einen leisen Spieluhrton, der je nach Windrichtung aus unterschiedlichen Richtungen mit unterschiedlichen Dynamiken zu einem dringt.

In deinen Werken sind die Komponenten Raum und Klang zentral, wie gehst du vor, wenn du eine neue Arbeit planst und kreierst?
Wenn möglich untersuche ich zuerst den Raum, bevor ich eine Arbeit/Installation konzipiere. Es ist für mich wichtig zu wissen, was bereits im Raum vorhanden ist. Optimalerweise sollte ein Ausstellungsraum komplett leer sein, damit der dort agierende Künstler seine Materialien im Raum positionieren kann. Da es solche Räume meiner Erfahrungen nach nicht gibt, bin ich gezwungen mit den visuellen und akustischen Situationen zu arbeiten. Wer Rauminstallationen entwickelt, kann nicht sagen: “Der Rauchmelder, der Feuerlöscher, das laute Surren der Lampen und der Luftentfeuchter gehören nicht zu meiner Arbeit, alles weitere schon!” …das ist albern! Wenn ich weiß was im Raum ist und wie deren Atmosphäre auf mich wirkt, fange ich an in unterschiedliche Richtungen zu grübeln…

Du hast gerade auch einen Katalog mit dem Titel Atelier produziert, was bedeutet das Atelier für dich?
In den letzten zwei Jahren in Hamburg hatte ich kein Atelier. Lediglich ein Lagerraum für meine Materialien und ein Schreibtisch für das Skizzieren der Ausstellungen/Konzepte stand mir zur Verfügung. Die Arbeiten, die in dem Zeitraum entstanden sind, waren stark vom Ausstellungsraum abhängig, da ich erst vor Ort die Arbeit hören/sehen konnte, die ich am Computer entwickelt habe.
Mit dem Stipendium habe ich mir gleich zu Beginn einen Rahmen geschaffen, in dem ich ähnlich wie in Ausstellungen an meinen Installationen arbeite.
Ich habe mir eine Wand ins Atelier gebaut und mir eine Situation vorgegeben, in der ich Ideen ausprobieren kann. Das Ergebnis dokumentiere ich in Bild und Ton von der immer gleichen Position aus. Mit kurzen beschreibenden Texten habe ich die Arbeiten, die im Atelier entstanden und dokumentiert sind, mit dem Kehrer-Verlag zusammengetragen. Im Juli erscheint der Katalog mit dem einfachen Titel “Atelier” bei Kehrer.

Wie sehen deine Pläne für den zweiten Teil des Jahres aus?
Im Juli nehme ich an Ausstellungen in Berlin und Lauenburg/Elbe teil und im August in Meinersen. Dann ziehe ich wieder zurück nach Hamburg. Für 2017 sind bereits drei Einzellausstellungen geplant und mit einer  befreundeten Klangkünstlerin arbeite ich an einem klangkunstspezifischen Ausstellungsort in Hamburg.
Bis zum Ende des Jahres werde ich an verschiedenen Schulen Workshops durchführen, in denen ich die Schüler auf die Umgebungsgeräusche in ihrem Alltag sensibilisieren möchte. Fünf Schulen haben sich bereits angemeldet. www.klangkunstvermittlung.de

Vielen Dank für das Interview!

Aktuelle Termine
Stipendiat der HAP Grieshaber Stiftung
Städtische Galerie Reutlingen
Eröffnung: 29. April 2016, 19 Uhr
30. April – 24. Juli 2016

Heiko Wommelsdorf
Saarländisches Künstlerhaus Saarbrücken e.V.
Eröffnung: 11. Mai 2016, 19 Uhr
12. Mai – 26. Juni 2016

Resonanzen – Gartenarbeit
KunstFestSpiele Herrenhausen, Großer Garten, Hannover
Eröffnung: 18. Mai 2016, 18 Uhr
18. Mai – 02. Juni 2016

Das Interview führte Annalena Roters.

Nina E. Schönefeld – Kunst im März

RITTER II, Kantine Aqua Carré, Berlin, 2013, Mixed Media (Holz, Mischpulte, Leuchtstoffröhren, Glühbirnen, Lautsprecher, CD-Player, Kabel, Farbe)

RITTER II, Kantine Aqua Carré, Berlin, 2013, Mixed Media (Holz, Mischpulte, Leuchtstoffröhren, Glühbirnen, Lautsprecher, CD-Player, Kabel, Farbe)

Kunst im März
Im März haben wir uns mit Nina E. Schönefelds Installation Ritter II auseinandergesetzt. Continue reading

Helena Petersen Interview

Helena Petersen is the winner of the 7th ARTWARD artist-in-residence prize. At the end of last year she travelled to Brussels to work in the loftspace of collector Alain Servais. We asked her about her experiences during the residency, which was also effected by the attacks in Paris in November 2015. Continue reading

Winner 8th ARTWARD


ARTWARD – year by year!

On 9 January 2016 the newly appointed ARTWARD Jury met in Munich to review the applications for the 8th ARTWARD and to select the awardees.  Continue reading

ARTWARDpublic: Elmar Maria interviewed


© Elmar Maria, 2015.

The 8th ARTWARD public voting is evaluated and the prize goes to Elmar Maria. Congratulations! The artist applied with a series of paintings which intensively explore rectangles and squares – just as popular as his artworks has become his dog Willy – protagonist in Elmars ARTWARD promotion video. We interviewed the artist and asked him about art, self management and his future plans (Interview in german). Continue reading




The ICAA Strategists GmbH is committed to young artists. Together with you we would be even stronger.
The ARTWARD is endowed with € 10,000 annually and has an open network for young artists. It networked artists, art lovers, collectors, sponsors, gallery owners, startups, creatives, bloggers, designers, thinkers and academics from the fields of art and communication. We also offer workshops and regular meetings.
Why do we do that?

Because we strongly believe in the synergy and sharing as a cultural practice of the 21st century.
You want to share our vision and to support promising artists of today / tomorrow accompany them on their way? Then be part of our network and ask us for their many advantages as an ARTWARD: 

6. KulturInvest-Kongress 2014

KulturInvest-Kongress 2014 – Der Branchentreff für Kulturanbieter und Kulturinvestoren aus dem europäischen Raum
Der 6. KulturInvest Kongress ist größter Branchentreff für Kulturanbieter und Kulturinvestoren. Er zeigt neueste Trends im Zusammenwirken von Kultur, Wirtschaft, öffentlicher Hand und Medien. Erstmals 2014 richtet der Kongress seinen Focus auf einen europäischen Wissenstransfer und die Vernetzung europäischer Akteure….

2 Tage Kulturdiskussionen
2 Tage Wissens- und Erfahrungsaustausch
2 Tage Networking

31.10., 14:45-15:30 h






MINI SPACE Event 2014


Am 25. und 26. Oktober 2014 fand in der BMW Welt das MINI Space Event statt, welches sich mit den neuesten Innovationen in den Bereichen Design, Mode, Technologie und Mobilität beschäftigt.

MINI SPACE ist einer der aktivsten Firmen im Bereich Community. Bei diesem Event war die Community aufgerufen ihre ganz persönliche Handschrift zu hinterlassen und sich aktiv an einem automobile Crowdsourcing-Kunstwerk zu beteiligen, das anschließend als Herzstück des Events zu bewundern sein wird.  Wir freuen uns, das unser Vorschlag angenommen wurde und Künstler Daniel Man das Auto live gestaltet wird. MINI hat im Rahmen des Events wie immer einen kreativen Raum für Freunde geschaffen, die dort ihr Können teilen möchten.

Die Internationale Designausstellung Blickfang wird ihre Sammlung eleganter Produkte präsentieren, die Sneakerness zeigt eine erlesene Auswahl an neuen Trands in Sachen urbanes Schuhwerk und die Crew von Dezeen teilt ihre einblicke in die Zukunft von Kultur und Design. Diese verschiedenen Special Guests geben den Besuchern einen exklusiven Einblick in die zu bewundernde innovative Arbeit.

Doch bei diesem Event geht es genauso um Interaktion wie um unterhaltsames Zuschauen. Die MINI Community ist eingeladen, mitzumachen und eine aktive Rolle beim Erstellen eines einzigartigen Crowdsourcing-Kunstprojekts zu spielen: dem MINI Community Car, gestaltet durch unsere Empfehlung von Künstler Daniel Man.

Schon Ende Juli durften Besucher des International MINI Meeting 2014 im englischen Kent einen New MINI mit handgemalten Designs von der Motorhaube bis zum Kofferraum bedecken und bekamen somit einen Vorgeschmack auf das Projekt. Nachdem die Live-Aktion also beim IMM 2014 eingeläutet wurde, kann die internationale MINI Community hier auf MINI Space für Runde zwei tätig werden….


MuniqueART is partner of 7. ARTWARD!


Es gehört zu den Zielen der Kunstplattform MuniqueART, vielversprechende Kunst und Künstler zu fordern und fördern. MuniqueART bietet deshalb zwei ausgewählten Bewerbern des Kunstpreises ARTWARD die Möglichkeit sich und Ihre Kunst im Rahmen einer vierwöchigen Einzelausstellung in der MuniqueART Galerie im kommenden Jahr zu präsentieren. Die Auswahl unter allen Einreichungen findet bis Ende Dezember statt. Die beiden Künstler werden anschließend schnellstmöglich kontaktiert.

Zwei ARTWARD Künstler haben bereits bei MuniqueART ausgestellt. Der Bildhauer Tim David Trillsam (Die Spiegelung des Seins, 27. März bis 26. April 2014) und die Malerin Deniz Hasenöhrl (Welten, Raum und Grenzen, 5. Juni bis 5. Juli 2014). Beide Ausstellungen waren erfolgreich!

Mehr über MuniqueART, ihre Künstler und Ausstellungen gibt es unter www.muniqueart.de.

ARTWARD Membership


Finally all new ARTWARD artists can manage their own website and benefit from many services of the ICAA agency!

√ Public artist profile
√ Individual work presentation (including videotools) in an online gallery
√ Complete control of approved contents
√ Cost-free participation at our workshops and career seminars
√ Stay informed with our monthly newsletter
√ Platform for potential collectors & galleries
√ Option to be nominated as the artist of the month


ARTWARD Workshop

  1. ARTGRANT_Workshop

Dates: 07.-09.02.2014
Location: Munich
Motivation: We want to share our knowledge and experience with you – because we know how the art market is operating
Topics: Marketing, finances, organisation and art market – with Stanislaus Benecke & Annette Doms, in cooperation with Nusser & Baumgart gallery, Munich.

€ 0,- for ARTGRANT members (includes materials and beverages)
€ 50,- for interested parties (includes materials and beverages)
Registrations: mail@artward.de

1. DAY – FRIDAY, 07.02.2014 – 14.00 till 18.00
Welcoming; presentation of the ARTWARD organization
Workshop procedure
Art ambition
View on Saturday
Friday Evening Event – come together 

2. DAY – SATURDAY, 08.02.2014 – 10.00 till 18.00
Summary Friday
Art activities
Aims & activities
Art market
Art market model
Activities model    

3. DAY – SUNDAY, 09.02.2014 – 10.00 till 16.00          
Summary Saturday
Alignment art market and activities model
Summary workshop
Workshop results




A&O München Hauptbahnhof
Bayerstr. 75
Deutschland – 80335 München
T: +49 89 45 23 57 – 57 00

A&O München Hackerbrücke
Arnulfstr. 102
Deutschland – 80636 München
T: +49 89 45 23 59 – 58 00

Jugendherberge München-City
Wendl-Dietrich-Str. 20
80634 München
Tel: +49 89 2024449-0

Hostel Haus International 
Elisabethstraße 87
80797 München
Tel.: +49 (0)89 12006-0

An interview with Cho Kyoung Jae

© Cho Kyoung Jae, 2013

Cho, Du warst im Juni 2013 für sechs Wochen im Studio-Loft des belgischen Kunstsammlers Alain Servais. Welche Erfahrungen hast Du in Brüssel gemacht?
Leider habe ich nicht sehr viel von Brüssel gesehen, weil ich nur gearbeitet habe. Der Raum, das Atelier, die Fabrik haben mich so fasziniert, dass ich kaum rausgegangen bin. Es war schön, dass ich dort die verschiedene Arbeiten der bekannten Künstler mit meiner Arbeit vergleichen konnte.

Wie wurde Deine künstlerische Arbeit beeinflusst? Hat Dich die Sammlung des belgischen Sammlers Alain Servais inspiriert?
Ich hatte viele Zeit und Ruhe für meine Arbeit und konnte viel zeichnen. Im Atelier habe ich viele erotische Fotos gesehen, die mich bei meiner fotografischen Arbeit und Zeichnung inspiriert haben. Ich hatte zwar keine direkte Einfluss von dem Sammler, aber von seiner Sammlung hatte ich schon besondere Erfahrungen und Anregungen bekommen.

Kannst Du den Aufenthalt empfehlen?
Auf jeden Fall! Das war eine gute Erfahrung.

Was sind Deine Pläne für die Zukunft?
Ich möchte in Korea und in Deutschland als Künstler arbeiten. Im nächsten Jahr mache eine Ausstellung in Korea und eine Abschlussausstellung in der Kunstakademie Münster. Nach dem Studium möchte ich in Berlin wohnen und arbeiten (…)


ARTWARD artists are not alone.

Because an ever-expanding community is waiting for artists – with an interest and curiosity for art.
ICAA moderates – with fresh motivation, personal experiences and interesting offers.

„I really appreciate the 3 days workshop with ARTWARD. I think the workshop helps the artists substantially with the business in the art market today.“ Claude Langlois, 2014
„Thank you very much for the delightful and successful cooperation.“
Kai Mailänder, 2013
(Kai is represented by the Galerie Martin Mertens, Berlin)
„Now I can start working on my diploma thesis – with the prize money of the ARTWARD.“
Funda Gül Özcan, 2012
„The ARTWARD enabled the positive financial completion of my first catalogue presentation 2011 and therefore further capacity for new works.“
Björn Wallbaum, 2012